Das Erstellen von Storyboards ist eine großartige Möglichkeit, Ihren Film zu planen und eine klare Vision für jede Szene zu erstellen, und es ist wirklich einfach, loszulegen! Wir haben einen Leitfaden zusammengestellt, der Sie durch alles führt, was Sie über das Zeichnen Ihrer eigenen Storyboards wie ein Profi wissen müssen. Sehen Sie sich die folgenden Schritte an, um zu erfahren, wie Sie eine Storyboard-Vorlage erstellen, interessante Aufnahmen erstellen und Ihre Storyboards mit Zeichnungen, Dialogen und wichtigen Notizen ausfüllen.
Schritte
Methode 1 von 3: Storyboarding einer Szene
Schritt 1. Vervollständigen Sie Ihr Skript, bevor Sie mit den Storyboards beginnen
Wenn das Skript eine Vorlage dafür ist, wie ein Film klingen wird, ist ein Storyboard die Vorlage für ihr Aussehen. Mit Storyboards visualisieren Sie, wie Schauspieler, Requisiten, Hintergründe und Kamerawinkel in einer bestimmten Szene oder Aufnahmesequenz zusammenpassen. Es ist Ihre Chance, den Film visuell darzustellen, bevor teure Kameras, Schauspieler und Crews am Set warten.
Eine der Aufgaben eines Storyboarders besteht jedoch darin, das Skript zu nehmen und es durch Hinzufügen von Visuals zu verbessern. Sie müssen den gesamten Handlungsbogen der Geschichte kennen, bevor Sie beginnen
Schritt 2. Zeichnen Sie Quadrate für jede Szene und lassen Sie darunter Platz für Dialoge
Sobald Sie Ihr Drehbuch geschrieben haben und eine Vorstellung davon haben, was in Ihrem Film passieren wird, besorgen Sie sich ein Papier- oder Posterbrett, um Ihr Storyboard zu montieren. Wie bei einem Comic-Strip stellt jedes Quadrat eine Aufnahme oder eine Szene dar und das Feld darunter ist der Ort, an dem Sie den Dialog, die Notizen oder die Aktion ausfüllen.
Während Sie Ihre eigenen Tafeln zeichnen können, gibt es online viele kostenlose Vorlagen, die Sie ausdrucken können, um sofort mit dem Skizzieren zu beginnen
Schritt 3. Legen Sie den Standort und alle wichtigen Objekte in Ihrem ersten Feld der Szene fest
Die wichtigste Funktion des Storyboards besteht darin, zu zeigen, wie die Aufnahme aussehen wird. Für Ihr erstes Board möchten Sie alle wesentlichen Details, damit die Leser wissen, wo sie sich befinden. Wenn Sie sich fragen, was aufgenommen werden soll, stellen Sie immer die Frage: "Ist dies wichtig, um die Szene zu verstehen?"
- Jedes Mal, wenn Sie den Standort wechseln, müssen Sie einen neuen Hintergrund zeichnen. Denken Sie daran, Sie erzählen die Geschichte visuell. Versuchen Sie sich vorzustellen, was Sie sehen müssten, wenn dies ein Film wäre.
- Wenn sich der Hintergrund zwischen den Aufnahmen nicht ändert, können Sie ihn leer lassen und sich auf die Aktion konzentrieren.
Schritt 4. Verwenden Sie Pfeile und Notizen, um Bewegungen oder Änderungen anzuzeigen
Wenn Sie beispielsweise möchten, dass ein Charakter einen anderen schlägt, müssen Sie nicht fünf Bilder seiner Faust zeichnen, die sich langsam auf ein Gesicht zubewegt. Zeichne stattdessen einen Rahmen der Faust mit einem Pfeil, der die Bewegung anzeigt.
Sie können auch Pfeile verwenden, um Kamerabewegungen wie Schwenks oder Neigungen anzuzeigen
Schritt 5. Füllen Sie den Dialog und die Sounds der Szene unter der Zeichnung aus
Denken Sie daran, dass Sie im Grunde genommen eine Comic-Version des Films erstellen, also sollten Sie auch wichtige Soundeffekte hinzufügen. Machen Sie sich keine Sorgen, wenn nicht alles passt – Sie geben dem Regisseur und der Crew nur Markierungen, wo der Ton zusammenpasst, also können Ellipsen ("…") helfen.
Schritt 6. Erstellen Sie für jede bedeutende Aktion oder Kamerabewegung einen neuen Rahmen
Immer wenn etwas passiert, braucht es eine eigene Box. Wenn Sie ein Gespräch in die Länge ziehen, sollten Sie während des Gesprächs von einem Charakter zum anderen wechseln und einige Aufnahmen von beiden gleichzeitig machen. Sie müssen jede dieser Verschiebungen einzeln zeichnen.
Sie können nicht einfach 1-2 Kästchen zeichnen und für ein Gespräch "alternative Aufnahmen" sagen. Stellen Sie sich eine Szene vor, in der eine Mutter wütend auf ihren Sohn ist, weil er eine Lampe zerbrochen hat. Das Ganze vom traurigen oder verängstigten Sohn zu zeigen, ist eine ganz andere Szene, als die ganze Zeit die wütende Mutter zu zeigen, hin und her zu schneiden oder die kaputte Lampe zu zeigen
Schritt 7. Geben Sie wichtige Hinweise zu Bewegungen, Geräuschen oder Spezialeffekten ein
Wenn eine Szene ein wenig Kunstblut erfordert, dann notieren Sie es entweder mit einem roten Stift oder notieren Sie es. Wenn die Aufnahme eine lange, kontinuierliche Aufnahme erfordert, verwenden Sie die Pfeile, um anzuzeigen, wie alles zusammenfließt. Obwohl es für all dies die richtigen Begriffe gibt, ist das Wichtigste, die Geschichte visuell zu erzählen, so gut es geht. Wenn es als Leitfaden zum Filmen sinnvoll ist, fügen Sie es ein.
Wenn die Kamera nicht schneidet, aber viele Dinge passieren, können Sie mehrere Boxen für einen "Schnitt" verwenden. Immer wenn etwas passiert, braucht man eine neue Box, auch wenn sich die Kamera nicht bewegt
Methode 2 von 3: Verbessern Sie Ihre Storyboards
Schritt 1. Finden Sie Möglichkeiten, die Themen des Skripts visuell auszudrücken
Lassen Sie das Skript nicht "für sich selbst sprechen". Die besten Filme sind auf allen Ebenen thematisch verwandt: Schreiben, Storyboarding, Soundeffekte, Schauspielerei usw. Es ist Ihre Aufgabe, ein gutes Drehbuch in großartige Bilder zu verwandeln. Frage dich in jeder Szene, was das Ziel der Szene ist, wie die Stimmung oder der Ton ist und was die wichtigsten Requisiten, Charaktere oder Momente sind. Wie können Sie auf diese Dinge aufmerksam machen?
- Finden Sie das wichtigste Element der Szene und finden Sie eine Möglichkeit, die Aufmerksamkeit des Publikums in jeder Aufnahme darauf zu lenken, sie zu vergrößern, zu zentrieren, hineinzuzoomen usw.
- Gene Wilder war kein Storyboarder, aber er dachte wie ein visueller Komiker. In Willy Wonka, das berühmte Intro, in dem er "aus Versehen" stolpert, fällt und unter lautem Applaus rollt, wurde von ihm entworfen, um Wonka als lustig, fremd und versteckt hinter einer Comic-Fassade darzustellen.
Schritt 2. Vermeiden Sie flache, zweidimensionale Kompositionen, indem Sie die Kamera immer anwinkeln
Was man nicht möchte, ist ein komplett ebener Boden, bei dem die Kamera im rechten Winkel zum Boden steht. Wenn Sie die Aufnahme leicht neigen, erhält Ihr Storyboard drei Dimensionen, auch wenn es sich nur um eine geringfügige Verschiebung handelt. Direktaufnahmen sind fast nie so aufregend wie dynamische 3D-Kompositionen.
- Nutzen Sie auch den Vorder- und Hintergrund zu Ihrem Vorteil – setzen Sie nicht jedes Zeichen oder Ding auf die gleiche Tiefenlinie.
- Vergessen Sie auch nicht den weit, weit entfernten Hintergrund – es ist ein guter Ort, um Tiefe zu erzeugen.
- Natürlich gibt es viele Gründe, diese Regel zu brechen, wie zum Beispiel eine perfekt symmetrische Aufnahme. Wissen Sie einfach, warum Sie die Regel brechen, bevor Sie es tun.
Schritt 3. Motivieren Sie, die Kamera zu schneiden, anstatt nur die Aufnahme zu ändern
Normalerweise ist dies offensichtlich – wenn ein anderer Charakter spricht, müssen Sie ihn schneiden, um ihn anzuzeigen. Wenn jemand hinter sich ein Geräusch hört, schneiden Sie auf die Stelle, von der das Geräusch kam. Alle guten Schnitte müssen einen Grund haben - sei es die Handlung, die Charaktere, die wechselnde Aufmerksamkeit oder eine rein künstlerische Entscheidung.
Einer der berühmtesten Schnitte aller Zeiten ist 2001: A Space Odyssey, wo Regisseur Stanley Kubrick von einer fliegenden Waffe zu einem Satelliten im Weltraum schneidet. In einem Schnitt überbrückt er die Kluft zwischen dem primitiven Menschen und dem zukünftigen Menschen, während er andeutet, dass sich außer dem Setting nur wenig geändert hat
Schritt 4. Verwenden Sie den Winkel einer Kamera, um die Beziehungen und Gefühle der Charaktere anzuzeigen
Der Blickwinkel Ihrer Aufnahme sagt dem Publikum, was es mit den Charakteren oder Szenen zu tun hat. Diesen Umstand können Sie endlos nutzen und sollten sich immer fragen, wie Ihr Kamerawinkel den Aufnahmepunkt unterstützt oder behindert. Zum Beispiel:
- Auf einen Charakter herabzuschauen lässt ihn schwach, ängstlich oder machtlos erscheinen. Aufschauen lässt jemanden mächtig, selbstbewusst und dominant erscheinen.
- Extreme Winkel wie sehr hohe, sehr niedrige oder betitelte Aufnahmen zeigen Verwirrung, Angst oder eine abgedrehte Erfahrung wie einen Drogentrip.
Schritt 5. Versuchen Sie, die Szene als Prosa zu schreiben, wenn Sie Schwierigkeiten haben, loszulegen
Sich hinzusetzen und die Szene zu beginnen, schwierige Entscheidungen wie Kamerawinkel und Komposition zu treffen, ist schwierig, wenn Sie sich noch nicht sicher sind, in welche Richtung Sie die Dinge einschlagen möchten. Ein guter Zwischenschritt ist, die Szene wie eine Kurzgeschichte aufzuschreiben. Welche Teile fallen als wichtig heraus, welche Details stechen beim Schreiben heraus und was sind die wichtigsten Aktionen in jeder Aufnahme? Sie können dieses Mini-Skript dann als Übungslauf vor dem Zeichnen bearbeiten.
Halten Sie sich an nur 1-2 Beschreibungen für jede Aufnahme oder Szene. Sie schreiben keinen Roman, Sie schreiben einen Reiseführer
Schritt 6. Kinematografie studieren
Storyboards sind im Wesentlichen Übungsaufnahmen eines Films. Daher ist es das Ziel, die Boards zu verwenden, um echte Lichter, Kameras und Sets einzurichten, um die von Ihnen erstellte Aufnahme nachzuahmen. Wenn Sie tief in die Aufnahmearten, Farbkomposition, Kamerawinkel und mehr eintauchen, wird Ihr Werkzeugkasten als Storyboard-Ersteller erheblich erweitert.
Das Zeichnen eines Storyboards ist billig, das Schießen jedoch nicht. Wenn Sie an einem größeren Film arbeiten, müssen Sie den groben Schwierigkeitsgrad von Aufnahmen kennen, um zu wissen, ob sie machbar sind. Weit oben stehende Aufnahmen mögen toll aussehen und zum Film passen, aber Helikopter-Filmen sind sehr teuer
Methode 3 von 3: Storyboarding wie ein Profi
Schritt 1. Lernen Sie die Terminologie gängiger Kamerawinkel kennen
Verlassen Sie sich nicht nur auf das Zeichnen, um Ihren Standpunkt zu vermitteln – die Filmwelt ist voller Vokabular, das Ihre Arbeit einfacher und Ihre Storyboards präziser macht. Das Aufschreiben von Kamerawinkeln hilft Kamerateams, schnell zu erkennen, auf welche Aufnahmen sie sich vorbereiten müssen, und lässt Sie erkennen, ob Sie sich bei der Auswahl Ihrer Aufnahme versehentlich wiederholen.
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Etablierung von Aufnahmen:
Schnelle Aufnahmen, die das Set, den Ort oder die Startposition der Charaktere veranschaulichen.
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Voll, Mittel, Nah, Extrem nah:
Wenn Sie einen Charakter zeigen, wie viel zeigen Sie? Full (FS) zeigt den ganzen Körper, Medium (MS) zeigt die Taille nach oben, Close (CU) zeigt Schultern und Kopf und Extreme Close Up (ECU) Schuhe zeigen nur das Gesicht.
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Schuss nach oben / Schuss nach unten:
Up Shots blicken auf einen Charakter, während Down Shots von oben nach unten schauen. "Worm's Eye" und "Bird's Eye" sind jeweils die Extremversionen.
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Über die Schulter (OTS):
Einer Ihrer wichtigsten Begriffe ist, dass diese Aufnahmen eine Person oder ein Ding auf der Seite des Bildes zeigen, zurückgedreht, während sie eine andere betrachten. Sehr häufig in Gesprächen zwischen zwei Personen.
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Zwei-Schuss:
Wenn beide Charaktere, die normalerweise miteinander sprechen, beide gleichzeitig im Rahmen sind. Beim Zeichnen von Dialogen wechseln sich oft Zwei-Shots mit OTS-Shots ab.
- POV-Aufnahmen Sind einfach, wenn die Kamera den Blickwinkel einer Figur nachahmt.
Schritt 2. Machen Sie sich mit Kamerabewegungen vertraut, um sich bewegende oder wechselnde Aufnahmen zu illustrieren
Die folgende Liste ist keineswegs vollständig, aber es ist eine gute Einführung in das Schreiben stimmiger Storyboards. Wenn Sie eine hinzufügen möchten, schreiben Sie die tatsächliche Kamerabewegung auf das Storyboard.
- Verfolgung ist, wenn die Kamera das Geschehen verfolgt, ohne zu schneiden, wie wenn man jemandem folgt, der die Straße entlang geht. Verwenden Sie Pfeile, um Bewegungen anzuzeigen, und mehrere Frames, falls erforderlich.
- Pfannen sind, wenn sich die Kamera einfach in eine Richtung dreht, oft einem Charakter folgt, wenn er sich bewegt oder etwas in seiner Nähe ausstellt. Zeichnen Sie einen Pfeil, der die Richtung der Kamera veranschaulicht.
- LKW sind, wenn die Kamera physisch ein- oder ausfährt. Stellen Sie sich eine Aufnahme eines Fernsehers vor, dann fährt die Kamera langsam zurück, um eine Familie vor dem Fernseher im Wohnzimmer zu sehen. Verwenden Sie 4 Linien, die von der Mitte des Bildschirms zu den Ecken zeigen, um LKW-Fahrten anzuzeigen.
- Rack-Fokus ist, wenn Sie ein verschwommenes Objekt im Hintergrund und ein klares im Vordergrund haben, dann verschiebt sich der Fokus von einem zum anderen (es kann auch umgekehrt gehen). Zeichnen Sie eine Linie, die angibt, wo der Fokus beginnt und wohin er sich bewegt.
Schritt 3. Notieren Sie sich die Übergänge zwischen den Aufnahmen
Die folgenden Schnitte gehören zu den häufigsten im Film und müssen in Ihrem Storyboard vermerkt werden. Jedes erfordert eine kleine Zeichnung neben den Wörtern, die den Übergang visuell darstellt. Beginnen Sie mit einem kleinen Rechteck, das den Bildschirm direkt vor dem Dialog darstellt, und füllen Sie dann dieses Rechteck mit Ihrem Übergang aus:
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Einblenden ausblenden:
Dies ist einfach, wenn das Bild langsam auf einem leeren Bildschirm erscheint oder verschwindet. Zeichnen Sie für eine Einblendung ein nach links zeigendes Dreieck. Zeichnen Sie für eine Ausblendung ein nach rechts zeigendes Dreieck.
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Kreuz auflösen:
Wenn ein Bild langsam in das nächste überblendet wird. Um es zu zeichnen, machen Sie zwei sich schneidende Dreiecke in der Box, beginnend mit allen vier Ecken. Es ist das Aus- und Einblenden von übereinander gelegten Zeichnungen.
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Wischen:
Wenn sich ein Bild physisch über den Bildschirm bewegt und die nächste Aufnahme darunter sichtbar wird. Zeichnen Sie einfach eine vertikale Linie in die Mitte des Rechtecks und einen Pfeil, der durch sie verläuft, um anzuzeigen, in welche Richtung sich das erste Bild bewegt.
Schritt 4. Erinnern Sie sich an grundlegende Blockierungsanweisungen, um die Szene und die Schauspieler festzulegen
Die folgenden Begriffe beziehen sich auf die Position eines Objekts in der Aufnahme. Es kann auch helfen, Bewegungen zu lenken, z. B. wenn eine Figur von der Rückseite der Einstellung nach vorne geht, was als "BG → FG" ausgedrückt werden könnte.
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Vordergrund (FG):
Der Bereich in der Nähe der Kamera.
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Mittelgrund (MG):
Die Mitte des Rahmens
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Hintergrund (BG):
Die sind am weitesten von der Kamera entfernt.
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Off-Screen (O/S):
Hilfreich bei Geräuschen, Dialogen usw., die die Zuschauer nicht sehen können, oder wenn ein Charakter das Bild vollständig betritt oder verlässt.
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Überlagerung (OL):
Wenn ein Objekt oder ein Bild einem anderen überlagert wird, aber beide sichtbar sind.
Schritt 5. Beschriften Sie Ihre Aufnahmen richtig, damit der Rest der Crew sie lesen kann
Im Allgemeinen bezieht sich eine "Szene" auf einem Storyboard tatsächlich auf eine ununterbrochene Kamerabewegung, nicht auf ein vollständiges Ereignis. Diese Szenen werden zusammengefügt, um eine "Sequenz" zu bilden, die die gesamte Handlung, Konversation ist, die Sie darstellen (was Sie normalerweise eine "Szene" nennen).
- Immer wenn die Kamera schneidet, müssen Sie die Szenennummer ändern, um eine neue Aufnahme anzuzeigen.
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Wenn eine einzelne Szene mehrere Aktionen erfordert, ohne die Kamera zu wechseln, werden sie als. gekennzeichnet Platten.
Wenn für eine Aufnahme drei Storyboards erforderlich sind, würden Sie jedes Panel als 1/3, 2/3 und 3/3 bezeichnen.
Schritt 6. Streben Sie nach Klarheit, nicht nach perfekten Symbolen oder Vokabeln, wenn Sie verwirrt sind
Das ultimative Ziel eines Storyboards ist es, den Film visuell zu erzählen, nicht einen Vokabeltest zu bestehen. Sie sollten sich zwar immer bemühen, die Terminologie zu lernen, aber Sie möchten, dass die Storyboards von Regisseuren, Kameraleuten und dem Rest der Crew leicht gelesen werden können. Wenn Sie eine Idee haben, aber nicht wissen, wie Sie sie ausdrücken sollen, verwenden Sie Ihre zeichnerischen Fähigkeiten, um den Punkt so einfach wie möglich zu vermitteln. Pfeile, Notizen und mehrere Felder sollten verwendet werden, um Ihre kreativen Ideen zu teilen, wenn Worte nicht ausreichen.
- Stellen Sie sich eine lange, einzigartige Aufnahme vor, wie der Anfang von Raging Bull. Es gibt zwar keinen Schnitt, aber Sie könnten diese Aufnahme niemals in nur einem Panel enthalten. Sie müssten viele Panels mit Pfeilen, Notizen und Dialogen aneinanderreihen, um den Schuss zu planen.
- Die obigen Vokabellisten sind bei weitem nicht vollständig – es gibt Hunderte von Wörtern, Aufnahmen und Hinweisen, die ein professioneller Storyboarder verwendet. Um ein Profi zu sein, sollten Sie sich weiter mit Fachbegriffen auseinandersetzen.
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Tipps
- Wenn es hilft, können Sie ein Blatt Papier in 6 Quadrate falten, um Ihre Szenen einfach einzurahmen, oder eine kostenlose Storyboard-Vorlage aus dem Internet herunterladen.
- Storyboarding-Software verfügt oft über eine Datenbank, um Drehbuchinformationen, Requisiten, Orte, Kameraanweisungen usw. zu verfolgen.
- Behalten Sie Ihr Publikum beim Storyboarding im Hinterkopf. Denken Sie daran, dass sie sehen wollen, nicht was Sie zeichnen möchten.
- Sie müssen nicht jeden Rahmen perfekt zeichnen – eine grobe Skizze ist völlig in Ordnung.
